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【嬉皮士】No Direction Home

电影中文名

大门

2011-04-23 11:55

MrJustin

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The Doors (1991)
Oliver Stone


  导演奥利弗·斯通执导的传记片忠实地记述了大门主唱——吉姆·莫里森,这位风云一时的摇滚歌星从成名到自我毁灭的经历。
  1949年 新墨西哥
  荒凉、寂寞的平原上行驶着一辆汽车,车上坐着6岁的莫里森和他的父母,途中他们目击了一场车祸,莫里森默默地注视着一位死去的印地安老人,可是他的母亲却告诉他:这只是一个梦。
  1965年 加利福尼亚
  22岁的莫里森在海滩上漫步,他看到一个美丽的金发女孩,便跟踪了她,然后爬上一棵棕榈树潜入她的家里,吻了她一下然后离开。
  女孩说她叫帕米拉。
  莫里森说他叫吉姆。
  在UCLA电影学校,莫里森认识了一个喜欢弹钢琴的小伙子曼扎莱克,一天在海滩上莫里森为他唱了一首自己写的歌《Moonlight Drive》,曼扎莱克激动不已,二人决定组建一支乐队震惊世界。
  莫里森为他们的乐队取名叫“The Doors”。
  很快,在电影学校的同学中他们找到了自己的伙伴——吉他手克里格和鼓手登斯莫尔,一天,克里格弹着吉他哼了一支小曲《Light My Fire》,四个小伙子被那迷幻优美的曲调迷住了,于是心中那一扇音乐之门轰然洞开。
  6个月后,在日落大道的一家夜总会,莫里森演唱了这首《Light My Fire》,歌迷们无比疯狂,散场后莫里森带着一群人在大街上疯跑,莫里森跳上一辆汽车,对人们大叫:“你们谁知道自己真正的生活?”众人一下子寂静下来,帕米拉站在人群中看着他,目光闪闪发亮……   

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I'm Not There (2007)
Todd Haynes



Marcus Carl Franklin


  由黑人小演员Marcus Carl Franklin扮演的Woody Guthrie是六个角色中唯一的有色人种和未成年人,代表Dylan的童年时期,一个整天抱着吉他的小家伙。Dylan的音乐深受黑人节奏布鲁斯的影响,把美国民谣先驱Woody Guthrie视为偶像,用黑人小演员扮演、以Dylan偶像的名字命名这个角色用意旨在挑明迪伦音乐的两种起源。
   小家伙吉他上的那句“This Machine Kills Fascists”出自Woody Guthrie那把著名的吉他,他曾在二战时期入伍。至于去医院探望病重的Woody,则是Dylan出自本人的经历,1961年年仅19岁名不见经传的 Dylan在Woody的病榻前弹起了吉他,并给他带去了罗利牌香烟。
   有趣的是,虽然这个角色被设计成一个小孩,可是他的举止和谈吐却像个大人,话题总是离不开国家和时代,也许只是出于一个孩子对偶像的模仿,但化解为 Dylan乃是Woody Guthrie精神的传承者,抑或是Woody的指引贯穿了Dylan的一生不论是在他童年时期还是心智成熟之后也未尝不可。


Ben Whishaw


  你可能不接受Dylan的音乐,但决不可能不欣赏他的词作,与其说是歌词,更像是诗歌,正是因为诗歌对于Dylan影响巨大。他给自己起的姓氏即来自诗人Dylan Thomas,但是导演Todd Haynes没有选择Thomas,而是选择了法国象征派诗人Arthar Rimbaud来诠释Dylan诗性的一面,显然,托德想到了Alan Ginsberg对Dylan的发问:“有没有诗人曾激发你的灵感?”Dylan的回答是:“只有两个人,Emily Dickinson和Arthar Rimbaud。”
  这一段采用了法庭审判的形式,应该取自Rimbaud第一次出逃去巴黎,自Dylan少年时期,Rimbaud的诗歌就成为他的精神养料,书架上那本被翻得稀巴烂的《Rimbaud诗集》就是最好的证明。影片中的Rimbaud并没有提到诗歌,反倒强调“我是一个农民”。而来自明尼苏达的Dylan也并未将自己看作是时代的救赎者,他在自传中写道:“我不是任何人或任何事物的代言人,我只是一个音乐家而已。”显然,在身份的认同上,Dylan也与Rimbaud相仿,所不同的是,生活把Rimbaud推上了审判席,让他成为罪人;时代把Dylan推上审判席,要他成为法官。
  所有文字都告诉我们,Rimbaud是最有资格恃才放旷的完美主义者。Dylan也是这样,刚混纽约格林威治村的那阵子,他还没出名,嗓音沙哑,有时跑调,却可以即兴哼出小调,表达瞬间的思想。这就是未经雕琢的才华,让他成为一个被世人宠爱的孩子。才华,是Dylan公认的符号,这一点始终贯穿《I'm Not There》的始终。


Christian Bale


  这一段Todd又拾起他在《天鹅绒金矿》里的老手艺,以演员扮演的当事人采访的形式回顾由Christian Bale扮演的Jack Rollins如何从民权运动音乐家变成牧师,暗合迪伦对于基督教和福音音乐的皈依。
   1963年,Dylan与民谣歌Joan Baez一同在1963年民权运动游行中演唱,马丁·路德·金则在此次游行中发表了《我有一个梦想》的演说。然而,曾经的热血青年随着时代的变迁,成了温和的中年,信仰也从革命变成了宗教。对于这种转变,可谓仁者见仁智者见智,所以Todd很明智地让不同的人发出不同的声音,由得包括观众在内的旁观者做出自己的价值判断。
   值得多说一句的是由Julian Moore扮演的Alice Fabian,明眼人一下子就可以看出她的原型是Joan Baez。Baez和迪伦相识于1961年,两人在音乐上可谓是知音,但在政治观点上大相径庭,Baez是而且一直是个激进派,在她心目中Dylan始终太过保守,在时代的风口浪尖上,没有尽其所能站出来做一些事说一些话,她的一首《Diamond And Rust》将两人分崩离析的关系含蓄地一一道尽,至于孰是孰非,如今再去追究似乎也没有太多意义。


Heath Ledge


   Heath Ledge扮演的演员Robbie Clark是一个公众看不到的Dylan,家庭瓦解,与妻子离婚在即。演艺生涯一帆风顺,但并不感到快乐。迷失自我,朋友一个个远离。
    这一段取自迪伦与初恋Suze Rotolo的关系,撇开情节不谈,Robbie Clark是所有六个角色中在气质上离迪伦最远的。很难想象Dylan指着记者破口大骂,他更多会选择冷漠地走开吧。值得玩味的是Robbie的职业—— 演员,Todd是不是在暗示Dylan的演唱一度沦为在公众面前的表演?这一段着墨不少,却是六段中最浅尝辄止的,只展现了角色迷失、改变的结果,却没有交代过程,更没有揭示缘由。



Cate Blanchett


  这是整部电影最为人津津乐道的一段,因为一个女人扮演了Dylan,而且简直太像了,“他”的卷发、墨镜、深陷的两颊,尤其是垂下眼帘,一边吸着烟,一边吸着鼻子经过走廊的那一幕,太像了......
  但是什么要找个女人来演?有人解释说是要发掘Dylan中性的一面——的确,他不是个粗狂的男人。
  由Cate Blanchett反串出演的大红大紫的歌星Jude Quinn是六个角色中最为扑朔迷离的,这是一个身在名利场中却想走另一条路的Dylan,对应他向电声转变时期丢失了一批忠实的歌迷所引发的争议。他忽然拿起了电吉他,曲风从民谣忽然转向了电子摇滚,歌曲内容越来越难以理解,台下的观众不解、鼓噪、喝倒彩、谩骂。“Dylan改走商业路线了么?”。这段中屡次出现Jude Quinn回答媒体记者的场景,反映了一个已经被定了型的歌手想要变革的艰难,而他的态度也同样是暧昧不清,只是一遍遍表达自己对音乐的立场。显然那些接二连三的宣传活动、最时尚的派对、手到擒来的美女都让他有所忌惮,生怕失去这些东西,或许他自己也不清楚变革是对是错。
  这一段真是噱头十足,几段演唱会的表演交叉着超现实的影像,仿如MV。然而,不得不说,从整部影片来看,超现实影像的介入实际是一种伤害。因为整部影片都是纪实或现实的风格,半路杀出的光怪陆离显得太过突兀,也把影片对于角色内心世界的探寻一下子又抽离到注重影像本身上来。另外,由David Cross扮演的垮掉派诗人Allen Ginsberg的出现,还有那个由Michelle Williams扮演的Coco Rivington都可算点睛之笔。


Richard Gere


  Richard Gere扮演的Billy the Kid在历史上确有其人,以他为主角的西部片不计其数,他有点类似《虎豹小霸王》中两位亦正亦邪的劫匪,在《I'm Not There》中则化身为隐居在小镇的通缉犯,原本想安稳度日,可还是忍不住向霸占小镇的当权者发起挑战,最后从牢里逃出,重新踏上逃亡之路。
   这个角色对应Dylan遭遇几乎致命的摩托车事故后从公众的视线中消失的一段经历。与Billy一样,Dylan也一直在逃亡,前者想要逃脱的是警察的追捕,后者想要逃脱的是公众的追捕,显然他感受到这种“追捕”对他造成的伤害。然而,有些人注定无法忤逆本性,Billy在弱小的人遭受不公时终于还是站了出来,他最后跳上火车发现的那把写有“This Machine Kills Fascists”的吉他,也暗示了迪伦最终回归了音乐之路。

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No Direction Home: Bob Dylan (2005)
Martin Scorsese


  这是斯科塞斯首部人物传记长片,反映鲍伯·迪伦1963—1966年间的音乐生涯,纪录片由1963年发生的事开始叙述,从迪伦凭Blowin' in the Wind等歌曲成为民谣英雄开始,到1966年他在一场演唱会上首次使用了电吉它引起强烈争议为止。自1985年出现在电视节目“20/20”里之后,迪伦从未接受过录像采访,而他也从未广泛深入地谈过自己的早期生涯,这部纪录片可以说是他的第一次。

    更显珍贵的是,这部纪录片还穿插了Murray Lerner在60年代给迪伦拍摄的纪录片片断、D.A. Pennebaker(拍过著名的《蒙特利流行音乐节》纪录片)1967年拍摄的纪录片Don’t Look Back从未曝光的删剪片段。这其实并非是斯科塞斯与迪伦并非第一次合作,早在1978年,斯科塞斯拍摄The Band乐队的纪录片《最后的华尔兹》时,迪伦就曾在片中露面。

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Nowhere Boy (2009)
Sam Taylor Wood


    音乐传记片年年有,能向《与歌同行》那样直指人心的凤毛麟角,先锋艺术家的萨姆·泰勒·伍德与一批90后演员拍摄《无处的男孩》试图再现约翰·列侬生活在利物浦的那段少年时光,很可惜,演员不具备外在的型似,也没有与观众达成内在的认同感,导演更因为忙着叙事而忽视了列侬内心的挖掘,影片就像是一个以列侬的经历为框架,却脱离了列侬的独立存在。列侬和哈里森走了好多年,斯塔尔在有生之年不知还能不能登台,披头士其实只剩下一位麦卡特尼,歌迷需要一部真实反映乐队成名前时光的电影寻找慰藉,可是这部《无处的男孩》还没有一张CD来的直接、感人。

    首先应该夸一下影片无懈可击的布景与服装设计,Woolton和Allerton这两处还保留当年植被的近郊,使得影片的50年代生活气息栩栩如生,列侬就应该生活在这样的地方,影片至少在还原景致古老风貌方面做到了原汁原味。至于服饰和布景,身为先锋艺术家的导演自然深谙此道,从效果上看,不只披头士的歌迷,每一位对当年利物浦有印象的观众都能从影片中找到记忆点。冷战时的利物浦,一个到处是绿茵的城市,冰冷和希望、忧伤和温暖并存成为列侬18岁时完成第一首作品的原始创作力。

    依照影片结尾,一直过着无法无天校园生活的列侬,在生母意外身亡后找到自我的,可是前文一直鲜有列侬痛苦焦灼矛盾的铺垫,使得结尾也是不温不火。初遇生母时唯唯诺诺地傻笑,面对与膝下无子的婶婶离经叛道,因为导演一直为了保全叙事的流畅而忽略塑造角色内心,饰演列侬的亚伦·约翰逊能够传递的讯息实在有限。列侬年少时一直在生母与婶婶对其争夺中挣扎,长辈之间的矛盾割裂了他的童年,伤痛成为他的创作源泉,而他深入骨髓的反叛也是他成为文化现象的根基。只有熬过他那样的童年才能真正理解那些歌,那些生活经历日后都成了他的音乐的重要组成,亚伦·约翰逊的表演完全没体现出成长之痛,仅仅勾勒出了一个爱臭美爱撒娇自我感觉良好的温室花骨朵。

    其他配角的发挥也不尽如人意,尤其是饰演麦卡特尼的托马斯·桑斯特,演技像年龄一样稚嫩不说,脂粉途太多的脸、不成熟的利物浦口音搭配滑稽的发型竟然很有笑果,与面部老成的亚伦·约翰逊站在一起,年龄差足有十岁,饰演披头士成名后进入苹果唱片公司的列侬的发小们也集体成为路人,没一个出挑的。与一众小辈相比,克里斯汀·斯科特·托马斯和安-玛莉·杜芙两位大姐的表演显然要优秀得多,特别是每次两人在列侬归属问题上的针锋相对,绝对的火花四溅,可惜面对小列侬那张无辜的扑克脸,两位大姐也是浑身演技无处发挥,只得自己跟自己较劲了。

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Yellow Submarine (1968)
George Dunning


  电影《黄色潜水艇》是一部插图艺术创作,画风、设计自成一格,与迪士尼唯美人物造型、浪漫故事情节全然不同。我们可视《黄》为一种视觉艺术,它融合了普普艺术中采取的一连串游戏性动态组合,且游走于现实与非现实之间,非常吻合披头士60年代中晚期偏爱的超自然冥想主张,因此在《黄》中可看到色彩缤纷的图像,过多装饰性的设计,类似这样的风格动画并不多见。
  《黄》的内容大致叙述披头士在老船长的引领下,以黄色潜艇保卫疆土花椒国,对抗邪恶的蓝色坏心族。片子一开始以George Martin的弦乐引述花椒国,是一个祥和、充满快乐的桃花源,接着Ringo唱出“黄色潜水艇”象征着花椒人民一片朝气。谁知好景不长,恶棍蓝色球心族破坏花椒人民快乐的日子,老船长Fred征召披头士有志一同“一起来吧”,并招兵买马,以破釜沉舟之心联手将恶魔赶走,披头士装扮花椒军士以“帕伯军士孤独之心俱乐部乐队”击溃敌人,确保了他们唯一的信念“你需要的就是爱”,只要心中有爱必可战胜一切,爱、欢笑、音乐又再回到了花椒国。
  这么一则简而易懂的故事,表面看起来只不过一再强调邪不胜正、暴力必亡,但是我们如果再深一层了解,会发觉披头士早在30年前就传达了“爱与和平”的讯息,现在透过黄色潜水艇动画电影,可以说对“爱与和平”有了更深一层的诠释。

 



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Taking Woodstock (2009)
李安

  1969年,伍德斯托克音乐节举办的时候,李安只有14岁。对于这次音乐会,李安说,“我记得我在台湾的电影台里听到了来自音卜乐节的音乐--不是所有的音乐,只是一部分。但是就是这些音乐让我感觉到美国正在发生着翻天覆地的变化。在1960年代的晚期,电视上经常会有某地举办摇滚音乐节的新闻。因为当时的台湾是在美国庇护之下的,所以我感觉到了一丝不安,害怕有什么事情会发生,不过后来也并没有什么严重的事情发生。我记得那时候似乎全世界都在开演唱会,有人把这个叫做嬉皮士入侵。”
    而对于迈克尔·沃德利拍摄的纪录片《胡士托疯狂实录》,李安说,“我是在稍晚一些的1980年代才在纽约看到这部电影的。我当时对伍德斯托克简直是一无所知,我只知道这个音乐节很重要,有无数的人在赞美它。直到我准备拍摄这部电影的时候,我才具体了解到音乐节的一些内幕。我想,这些幕后的故事早已成为影迷如数家珍的传奇了。”
  现实中,埃利奥特·提伯出身自中产犹太家庭,一直对父母隐瞒同性恋倾向,到60年代,他出力举办“伍德斯托克”音乐节,受到当时鼓吹爱与和平的社会气氛所感染,终于走出衣柜,公开同性恋身份。 伍德斯托克音乐节于1969年8月15日至17日在美国纽约州苏利文县附近举办,三天吸引了约45万人观看,乐队和观众通过音乐呼吁反战与和平,音乐节期间大雨倾盆,交通堵塞长达20英里,污秽遍地,但没有任何暴力事件发生,只有两个人死亡(一个撞车,另一个吸毒过量)。这个音乐节不仅让摇滚乐迷所熟知,更成为具有特殊意义的历史事件。出生于1935年的Elliot Tiber于1969年的夏天无意中在报纸上发现“伍德斯托克音乐节”原来的主办场地被撤销了,于是他打电话给组织者并找到了新的场地,牵扯进这场20 世纪最伟大的摇滚音乐节当中。
    2007年,埃利奥特·提伯联合Tom Monte出版了《Taking Woodstock-A True Story of a Riot, a Concert, and a Life》,该书不仅讲述了音乐节创办经历,涉及吉米·亨德里克斯、感恩而死乐队等摇滚音乐人。另外Elliot Tiber,还描述了自己作为男同性恋如何在音乐节过程中战胜“梦魇”,公开过自己想要的生活,涉及楚门·卡波特和安迪·沃霍尔等知识分子。对于李安来讲,这样的故事确实有相当大的导演发挥空间。

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Easy Rider (1969)
Dennis Hopper

  1969年,《逍遥骑士》横空出世。这是一部充满惶惑、否定、叛逆和悲剧的存在主义式公路电影。《逍遥骑士》不仅是60年代美国垮掉运动的经典符号之一,更是开创新好莱坞黄金时代的分水岭。这部电影获得了奇迹般的成功,1969年获奥斯卡奖七项提名,同时在欧洲大受欢迎,在第22届戛纳电影节上,本片夺得了最佳处女作奖。它的奇迹还体现在票房上,本片投资40万美元,票房收入却高达2500万,难怪哥伦比亚公司要收购影片的版权,在当时,好莱坞大公司收买一部独立制片的小制作电影是不多见的。
  《逍遥骑士》的成功,在当时如同一场狂风暴雨席卷了好莱坞。各大公司和制片商纷纷请来顾问研究这一现象及对策,发现这一时期48%的观众是16岁-24岁的年轻人。调查的结果竟使好莱坞几乎在一夜之间淘汰了整整一代编剧,导演及行政管理人员,而换上了新一代的年轻制作者,利用年轻人与现存社会的矛盾,把革命制造成容易脱手的完美商品。
  《逍遥骑士》的成功和影响表现了电影同社会思潮和意识形态之间的对应关系和互动作用。上世纪60年代,美国青年面对越战失利和政治丑闻,对国家失去信心,很多人依靠吸食大麻来麻痹自己的神经,在这种社会环境下,“垮掉派”文学、迷幻摇滚等艺术形式应运而生,本片便是这一时代的产物。影片并不直接涉及越战、黑人民权运动和大学校园的骚乱这些社会的重大话题,它侧重的是更为文化性的方面,即嬉皮士现象有及其深刻的影响。
  作为一部公路电影,本片剧情围绕主人公的旅途展开,荒凉的大草原、坚硬的岩石、静谧的湖泊、宿营地的小屋,片中的风景让人感受到的西部片的气质。导演借风景寄托了对昔日美国精神的怀念。在“新好莱坞”影片的作者看来,西部荒原是人类自由精神和美国早期开拓精神的最后的前哨站,过去的自由精神和生活方式与如今反叛姿态之间有着精神上的连贯,其共同的对立面则是虚伪的道德观准则和价值观。
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The Dreamers (2003)
Bernardo Bertolucci

    依莎贝尔、提奥与马修的结缘来自电影。他们因为电影而相识、相知、相爱、相离。在依莎贝尔的家里,到处贴着文革宣传画和电影海报。有一个场景很有意思,镜头滑过玛琳·黛德丽的海报,落到桌上放置的毛泽东齐胸塑像,毛主席万岁几个字闪闪发光。对老电影的怀旧与致敬是这部电影的一个重要主题,贝托鲁奇似乎是让他的主人公们经历着他自己的影迷岁月。马修问伊莎贝尔,你们是巴黎人的吗?伊莎贝尔回答说,我1959年出生在香榭丽舍,我学会的第一个词是“纽约先驱论坛报”。画面随即切入戈达尔拍摄于1959年的新浪潮发轫之作《精疲力竭》中琼·塞贝里在街头叫卖《纽约先驱论坛报》的情景。依莎贝尔以此表达了对于新浪潮、戈达尔、《精疲力竭》的无限崇拜。
  提奥和马修激烈争论卓别林与巴斯特·基顿谁更伟大,会让我们对法国人与美国人的喜好差异会心一笑。马修听提奥的哼唱就猜出《礼帽》中弗莱德·阿斯泰尔跳踢踏舞的情景,果然镜头一转,阿斯泰尔的舞蹈吵醒了楼下的珍姬·罗杰丝。而依莎贝尔、提奥、马修手牵着手飞奔,打破戈达尔《不法之徒》中主人公跑过卢浮宫所用时间的纪录,其中穿插着《不法之徒》的画面,幸福美好得一塌糊涂。
  然而电影不只是美好。伊莎贝尔因提奥猜不出她模仿玛琳·黛德丽在《金发维纳斯》中的表演,而惩罚提奥当着她和马修的面在黛德丽的海报前自渎。提奥模拟《疤面煞星》的场景,强迫答不出来的伊莎贝尔与马修在客厅做爱,依莎贝尔就这样失去了处子之身,三个人的关系也慢慢地失去了原有的无邪……
  《戏梦巴黎》里涉及的电影经典远不止这些,依莎贝尔对嘉宝的迷恋,对维纳斯的模仿都让人惊艳。有好事者曾列过贝托鲁奇在此致敬的影片要超过20部,只是很多我们都无缘相见。而其中的配乐,也几乎都是采用了导演心仪的经典电影的配乐和当时振聋发聩的经典摇滚乐,比如《四百击》、《精疲力竭》、《狂人皮埃洛》,比如TheDoors、TheGratefulDead、 JimiHendrix的作品。
  贝托鲁奇和昆汀.塔伦蒂诺一样,是那种对流行音乐颇有心得的导演。《戏梦巴黎》除了影片本身的争议性外,另一大卖点就是由Gato Barbieri作的配乐,甚至这张原声碟比电影本身还要出名呢。《戏梦巴黎》由于是以1960年代为背景,在音乐上也自然有所配合。除选用1960年代文化偶像Jimi Hendrix的一曲“Third Stone from the Sun”外,还加入了著名迷幻摇滚乐队Grateful Dead的名曲“Dark Star”。此外,还有上世纪上半叶地位崇高的歌后Edith Piaf的“Non,Je Ne Regrette Rien”也被收录(香港作家陶杰将梅艳芳比作香港的Edith Piaf)。不知是否出于致敬的心态,贝托鲁奇还分别选了Francois Truffaut与Jean-Luc Godard两位法国新浪潮电影先驱的三部影片《四百击》、《精疲力尽》与《狂人皮耶罗》中的主题曲。看来这张原声碟会像《杀死比尔》的原声一样,再度掀起抢购热潮。
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Factory Girl(2007)
George Hickenlooper


   “每个人都能当上15分钟的名人”,“人生下来就像被绑架,然后被卖去当奴隶”,这些是安迪·霍沃的名言。他回避情感表达,将现实社会图像比如广告、招贴、新闻、卡通画等直接呈现给观众,排除任何情感,也不进行阐释。1962年,他开始迷恋上丝网印刷,并做出了著名的汤罐头Campbell's soup cans,1963年11月,他将其在纽约东四十七街的大工作室命名为“工厂”,雇佣了艺术家杰拉德·马兰加(Gerard Malanga)做助手,批量“生产”艺术品,并打上自己的标签。在工厂里,安迪完成了梦露等名人肖像系列作品,同时也拍了《Grind House》等诸多电影。

   他在其工厂拍的片子很多时候都是呆滞静默的个人特写,后来又买下电视频道的某个时段,每天定时出现,随便说话,或者干脆什么都不干,只是呆着。安迪作为波普(Pop Art)的领军人物将大众文化拔高到艺术,模糊了庸俗与艺术的界限,化日常生活的腐朽为艺术的神奇,建立起商业、大众文化、艺术的暧昧桥梁。他本人和伊迪·塞奇威克是影响整个60年代至80年代艺术与时尚永远的偶像,甚至到今天为止,他的地位不仅没有下降,而且更高了。很多评论家认为,后现代艺术就是由波普艺术开始的。 


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Across the Universe (2007)
Julie Taymor


  充满荆棘、古怪另类、具有高度戏剧性的《纵横宇宙》是一部非常有创新意义的音乐电影,来自于编剧兼导演朱丽·太莫和两位编剧迪克克莱门特(Dick Clement)、伊恩·拉·弗莱奈斯(Ian La Frenais)那超脱的想象力,他们共同将一个原创的爱情故事和33首非常有划时代意义的披头士歌曲融合在了一起,太莫说:“我最初的想法就是通过披头士的歌曲,连接
出来一部影响了一代人的音乐剧。”

  《纵横宇宙》由革命电影工作室制作并发行,朱丽·太莫说:“我构思这部影片的原因是想研究一下60年代的文化氛围,那是一个处处渗透着披头士的歌曲的时期,从爱情到政治,无一例外。在我看来,音乐正好就是那个世界发生的一切事情的一个缩影。”
  对于朱丽·太莫来说,影片虽然讲述的是上一代人的故事和观念,能够得到现代观众的认可和赞同才是她最需要努力的方向,太莫说:“我希望即使是年轻的观众,同样可以看到这部影片所散发出来的那种激情,因为故事里的角色和现代人一样,以无可比拟的热情投身于社会活动中,同时还要进行自我检验……这部影片不仅像它的名字那样,能够‘纵横宇宙’,还应该将不同的文化交织在一起,让每一个人都能真实地相信故事中正在发生的一切。” 


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Pink Floyd The Wall (1982)
Alan Parker


  《迷墙》讲述Pink Floyd从婴孩降生到这个世界直至成人的过程中所经历的人生沉浮的故事。首先在Pink Floyd的演出《In The Flesh》中我们逐渐步入影片。Pink从刚一出生就面对着如履薄冰的人生《The Thin Ice》,这似乎就暗示了Pink一生的展转命运和悲哀的人性。Pink的童年是被蒙上阴影的,他在公园孤独的寻找父爱,影片转到了他孩提时代对在二战中阵亡父亲的回忆《Another Brick In TheWallpt.1》;他在学校不得不面对刻板严格的填鸭式的教育制度《The Happiest Days Of Our Lives》以及《Another Brick In The Wall pt. 2》;在家里,母亲对他过分的看护让他极度反感,使他丝毫感受不到任何家庭温暖《Mother》。童年不幸的遭遇让Pink的性格孤僻绝望,他不由得自问到:“我该相信政府吗?他们会把我送上火线吗?
    我是否该修建一堵墙?”(墙的第一次浅意识存在)太多的疑问过后,Pink看到的回答却是这个世界依旧充斥着漫天而降的炸弹和奔向掩体的平民。他不知道该何去何从《Empty Spaces》。于是他更加绝望了,他终日堕落,对任何事情毫无兴趣。在他的心里他渴望爱和被爱,他在对爱欲的憧憬和渴望中《Young Lust》高喊着“I need a dirty girl”;然而在现实的无奈和空虚中,他只得假装一切都好,他对自己伪装。但是日复一日,爱变得灰暗不再美丽,他的心开始变得苍老并得不到任何快乐《One Of My Turns》,他感到的只是剃刀般的冰冷和葬礼的鼓声,以及对女友离去后所发出的凄惨的哀鸣《Don't Leave Me Now》。此时的Pink已经完全绝望了,他已经不再相信任何人,他觉得他就像一块墙上的砖头被强行禁锢在其中迷失了自我《Another Brick In The Wall pt. 3》(墙的第二次潜意识存在)。在他的结束曲《Goodbye Cruel World》中,他彻底将自己和周围的世界隔离开。Pink 已完全建立起来的自我封闭的墙,它表明他已深深地陷入精神失落的旋涡里。

  Pink还是在找寻自我解脱的方式的《Hey You》,但是现实带给他的伤害让他一次次绝望下去,他愈来愈孤僻甚至走向极端。音乐在此刻又响起,美妙的吉他协奏曲《Is There Anybody Out There》以及低沉的管乐曲《Nobody Home》更加显现出Pink的悲伤和孤独,音乐不同于前面的激烈反而让人更加对Pink内心的悲凉感到同情并深思。而现在的Pink已经从愤怒发泄变得更加阴郁。精神忧郁的他终日面对电视,电视中反映二战时期的电影又唤起了他童年时悲伤的回忆,他不由得发出痛苦的哀鸣《Vera》。随后在一片鼓乐齐鸣的古典弥撒风格的颂歌合唱中,引出了《迷墙》的核心曲目《Bring The Boys Back Home》,这首歌曲也唱出了他强烈的反战心声。
  面对电视的忧郁的他终于还是被人强迫的拉到外面的世界,当他的唱片公司使用药物诱惑他完成《Comfortably Numb》后,他不由得开始想逃避,但是他已经早已没有退路,他不得不将这场表演继续下去《The Show Must Go On》。在演出现场,Pink的忧郁压抑最终异化为一种莫名其妙的憎恶和歇斯底里般的法西斯的发作《In The Flesh》。他孤独无助却不想随波逐流,他不愿意被这个肮脏的社会将灵魂腐化,他宁愿《Run Like Hell》。在混乱的颤栗中,他的心在流血,他的精神早就疲惫不堪,但他无机可施只能《Waiting For The Worms》。终于,Pink发出狂吼“stop!”,结束了这场可笑的表演。而Pink似乎也意识到精神上的枷锁。他躲在阴暗的角落反复低吟:“stop,stop,stop”。通过对自己在精神上的审判《The Trial》,Pink终于走出了墙外《Outside The Wall》重新聚集在人群里(墙的第三次潜意识存在)。此片也在最后的乐曲中结束了。回眼往事,在墙中的一幕幕形象又再度浮现在眼底,那是自己为自己建造的一座墙,孤独冰冷的封锁了心和意识。现在墙被冲破,外面阳光耀眼,还有一群如Pink童年的孩子在孤独的玩耍,他们是否又在建造自己的心墙呢?

  影片是没有一个完整的故事情节的,Roger Waters通过音乐和画面的结合将一个个情节穿插的表达思想。似乎是凌乱的交错中却更加体现了精神大师弗罗伊德的意识流思想。影片中加以的动画效果也重要的展现了这部影片的思想。战争的破坏、人性的善恶、精神的摧残在动画效果中完美的体现了美与丑、神圣与肮脏的人性。《迷墙》涉及到了很多方面的东西,战争、人性、教育、家庭、两性关系乃至儿童心理障碍和毒品的危急无不一一在影片中被谈及被关注。尤其是本片的反战意识更是结合了当时越战以后年轻人的思想,他们无法逃避现实的残酷,只得给自己建造一堵墙以求解脱。Roger Waters没有采用一般编剧的教育式手法,而是在淋漓尽致的纰漏中让观众去探索其中所蕴涵的独特思想,也堪称是一部伟大的心理意识探索影片!
  影片将Pink的孤独比喻成一堵墙,在墙的世界里Pink完全的将自己封闭,他沉迷于自己的空间里冲不出精神的枷锁,他孤独绝望对人生没有希望。他在墙的世界里疗伤却要承受更多墙外给予他的伤害。在他的精神世界里满是是伤痕。这墙其实并非Pink 仅有,生活在这个世界的每个人都有自己给自己建造的墙。墙是在他们人生历程的每一个阶段形成的,这种精神上的构成将他们封闭起来,变得麻木极端,并随他们的人生成长日益增长,到最后变得决裂。《迷墙》便是向我们展示了墙的形成全过程。它以内心的沉思为主,以“墙”比喻人性的枷锁,在经历种种挫折和失败后,不再沉沦,不再逃避,勇敢地打破“墙”的枷锁走向新的天地,这或许才是真正的意义所在。
  虽然《迷墙》已经上映了多年,但其深刻的含义和独特的拍摄手法不得不让人惊复。也不得不让人赞叹,这的确是一部大师级的经典之作!

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Paris, Texas (1984)
Wim Wenders


  《德克萨斯的巴黎》从叙事风格来看,它继承了文德斯在《公路之王》中宁静而近乎抒情的笔调,我们可以看到小津安二郎的电影语言被文德斯运用的张弛有力,舒缓、内敛和几乎杜绝使用蒙太奇剪辑成为文德斯公路电影的鲜明标记。现代人游走和不断迁徙在文德斯的镜头下呈现出一种荒芜冷漠的状态,汽车与公路这两种冰冷的“机器”成了隔离人与人之间感情的绝缘体,迁徙、迷航与旅行成为不绝于耳的嗡鸣,这便是文德斯的标签。
  影片从感情宣泄和主题设置来看,文德斯采用欲擒故纵的手法将影片从人物内心世界的觉醒拉到人物内心世界的再度沉沦,他通过兄弟之情、父子之情以及夫妻之情将本片的三个层次天衣无缝的弥合起来,最后在悲郁和内省的气氛中突出一种尘世的无奈,生活中不可理喻的孤独感以及人与人之间无法逾越的隔膜感都是人们难以逃避的现实世界。在这样的世界,疏离、逃往、流浪和漂泊成为人类永恒的主题,不管过程如何,人类世界好似陷入循环和轮回的怪圈,它的起点是流浪终点也是流浪。
  本片以忧伤的笔触,刻画出一个伤痕累累的文明世界,以及在这个世界中飘来荡去的孤独的灵魂。著名影星娜塔莎·金斯基在影片中戏分不多,但她忧伤、绝望的眼神无疑给观众留下了不可磨灭的印象。而这种眼神也恰如其分地映衬了本片的主题。摄影师罗比·穆勒将蓝天黄沙的荒漠空间拍出映象魅力,对本片的气氛营造有很大贡献。本片无论从导演、编剧、摄影还是表演都十分出色,几乎无懈可击。影片获得了包括 BAFTA、巴伐利亚、戛纳、恺撒等国际电影节大奖,奖项主要集中在最佳导演、最佳编剧和最佳影片上,共计14项大奖和5项金秋奖提名,足见其实力。

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Almost Famous (2000)
Cameron Crowe


  这是一部看上去有些令人匪夷所思的电影,故事的情节简单得没法再简单,但是它却获得几乎所有影评人的热烈欢呼。这部导演卡梅伦-克罗(他在16岁时就成了《滚石》杂志记者)自传体电影为我们讲述了这样一个故事:1973年,15岁的摇滚歌迷威廉-米勒(帕特里克-弗吉特饰)受《滚石》杂志之命去采访著名摇滚乐队“黑色安息日”,但被拒之门外,无意中他遇上了一支摇滚新秀“净水”乐队,在乐队帮助下,米勒混进了后台,《滚石》杂志同意他做这支摇滚新秀的采访,并赞助他跟随乐队巡回演出。影片讲的就是米勒跟随乐队巡回演出前前后后发生的故事,由于米勒缺乏经验,导致他没能很好地完成杂志社交给他的任务。故事轻松、温馨、幽默,像是一部摇滚版的“成长的烦恼”。

   那么影片究竟是释放出何种魅力让众多影评人奉献出溢美之词呢?首先是怀旧,克罗把人们带回摇滚乐繁荣的70年代。其次,影片的虚实结合让人有种认同感,《克里姆》、《滚石》杂志、乐评人莱斯特-邦斯(也是卡梅伦-克罗的恩师)、“黑色安息日”、“齐柏林飞船”这些真人真事通过主人公米勒与一支虚构出来的“净水”乐队结合在一起。再次,弗吉特、凯特-赫德森、比利-克鲁达普、贾森-李等演员的精彩表演令人难忘。

  长期从事摇滚乐采访的卡梅伦-克罗对摇滚乐的理解比任何一位导演都要深刻,他非常清楚影片里该出现什么:摇滚、性、毒品、争斗、女孩、反叛、代沟、虚伪、真诚。这部影片很适合让大多数中国娱记看看,米勒与乐评人莱斯特-邦斯的对白就是一本非常生动的如何做好娱记的教材。邦斯对米勒说:“你千万不要与摇滚明星交朋友,这一点很重要。如果你是个摇滚记者,你会从唱片公司那里得到免费唱片,他们还会为你的酒水埋单,你还会遇到很多女孩……但是他们不是你的朋友,他们只是一些想利用你为那些所谓天才摇滚明星编造一些神话的人……他们会毁掉摇滚乐,而你也将成为唱片业的傀儡。”

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The Ballad of Jack and Rose (2005) 、
Rebecca Miller


  这部聚焦恋童癖和乱伦两个敏感社会问题的影片由Rebecca Miller执导,她丈夫Daniel Day·Lewis主演。故事讲述杰克和十六岁的女儿罗斯居住在一个渺无人烟的小岛上,因为杰克希望藉此可以远离繁嚣,完全隔绝世俗对女儿的影响。杰克是一个环保主意者,更是一名拒绝利用现代科技的人,家中连一部电视也没有,因为他觉得电视就是奢侈的玩意,而他亦很讨厌那些不像他同样崇尚环保和甘于平淡的人。

   后来,杰克患了重病,他想到女儿罗斯已经十六岁了,面对的问题亦随着年龄而增多,假如他病逝,那罗斯便要学会独立,而且要面对外面世界的新事物。于是,为了使罗斯较容易适应这个世界,他特意邀请他的女朋友卡夫莲以及其两名儿子搬往杰克的家里居住,那么,卡夫莲便代替杰克的父亲角色,照顾罗斯的日常生活。可是,罗斯认为杰克这样做是出卖了她,于是她变得行为失控,且刻意为杰克制造出各种麻烦。杰克见事情已达到无法控制的地步,唯有被逼采取行动,希望罗斯能明白他的用意。

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The Boat That Rocked (2009)
Richard Curtis


  故事发生在60年代,一群无赖DJ迷惑了整个英国,他们以音乐为界限“党同伐异”和政府作对,甚至逆潮流而动推行起爵士乐。此时,在北海的一艘船上,几位DJ自己建起了海盗电台传播着摇滚乐:有从美国来了一次大麻之旅“学成回国”的全英最好的DJ加文、有尖酸刻薄却聪明有趣的戴夫以及绅士的美国老板昆汀……在“天高皇帝远”的海面上,这群嬉皮中年恣意的享受着自由生活……

  影片稳的背景设置在了1966年的英国。那时的BBC是播放流行音逾乐的重地,但是即使是这么开放的电台,每周留给摇滚的时间只有2个小时。但是,与此同时,有一个非法的“海盗电台”Radio Rock却在秘密地7×24小时地夜以继日地播放摇滚乐。2500万人——超过英国总人口的一半都在听这个电台的音乐。

  故事从一个被学校开除的小子Carl身上开始。无所事事的他来到自己的教父Quentin那里,想寻找一些生活的忠告。昆汀就是海盗电台的头头,他把这个摇滚的根据地建立在了北海中部的一艘船上,并聚集了一大批”有头脑,没信仰”的年轻DJ。

  这群DJ的头是一个叫做Count的狂爱音乐的美国佬。他是一个感情大于语言的家伙,并且无条件地支援着自己的一干合作者。在那条音乐的船上,呆着喜欢对一切冷嘲热讽,而且机器刻薄的Dr. Dave;叫着嚷着要“一次爱个够”却又”御宇多年求不得”的Simon;沉默寡言、低调性感的午夜Mark;制作凌晨节目,沉溺于民谣和毒品的Bob;不谙世事的Thick Kevin;以及新闻播音员News John和可能全英国最令人讨厌的家伙–nut。

  在北海上的生活充满了戏剧性。加文结束了美国的”大麻之旅”回到船上。他和科特为了挣”英国第一DJ”的位子而大动干戈。西蒙找到了自己心中的女神艾兰诺,并且就在船上把生米煮成了熟饭。埃兰诺在婚礼的第二天告诉西蒙,她爱的是加文,之所以与西蒙结婚是为了在船上生活,与加文在一起。埃兰诺走后,科特为西蒙鸣不平,向加文挑战,以两人的受伤为结束,友情依然。昆汀给卡尔介绍了自己的侄女玛丽安,卡尔一见钟情,玛丽安却与戴夫一夕缠绵。卡尔的妈妈夏洛特上船过圣诞,无意中告诉卡尔,鲍勃其实是他的生父。

  就在这帮DJ在海上过著醉生梦死的生活的时候,英国的首相道曼迪早就对这帮法外之徒虎视眈眈了,他想拿这帮混小子祭祭刀,顺便帮自己的宦海生涯再加几个筹码。另外。早就视“海盗电台”为眼中钉的国家电台的官员也在摩拳擦掌,想一举踹掉这个草寇电台。他们制订了法律,使海盗电台成为非法组织。昆汀带领全船驶向北海更北,继续广播。但老旧的轮船不堪驱使,沉没在北海中。听到RadioRock的求助,无数艘船在黎明时到达,救下了所有人。坚守电台到最后的科特,在船完全沉没的瞬间冲出水面,高呼rock 'n' roll,电影便在冰冷刺骨的海水和激情呐喊出的“Rock'n'Roll”中结束了……

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